Родившийся в 1948 году, Питер Хесс является флористическим дизайнером, сварщиком, скульптором растений и флористом в четвёртом поколении. Он работает и живёт в Алшвилле, Швейцария.

После 1969 года, когда он выиграл региональные юниорские чемпионаты Швейцарии, Франции и Германии, Питер Хесс стал одним из самых влиятельных европейских флористических дизайнеров. С тех пор он обучил тысячи флористов во всём мире с помощью своих уникальных и вдохновляющих творений. У него особый подход к дизайну, направленный на экологичность. Его работы вдохновляют, они полны воображения и фантазии. Питер Хесс является основателем Ателье-5, школы флористов и центра креативного и экспериментального растительного дизайна. В начале, его «Флористическая школа» была известна только в Швейцарии. Со временем она прославилась в соседствующих странах – Италии, Франции, Австрии и Германии, а затем и в Словении, Испании, Португалии и Венгрии. Сегодня Ателье-5 известно на весь мир. Питер Хесс является мировым лидером в лэнд-арте – творя только с помощью того, что даёт природа. Обычно он приезжает в местность, ранее ему не знакомую, не знает, чего ожидать и какие материалы ему удастся найти. Лэнд-арт подразумевает искусство создавать шедевры из того, что предлагает окружающая среда, чего-то, что можно найти только в этом месте. Его целью является сделать так, чтобы работа полностью вписалась в окружение. Питер Хесс стал инициатором ежегодного Лэнд-арт фестиваля в Гринденвальде (Швейцария).Начиная с 1999 года, не используя ничего, кроме материалов, найденных в этой местности, команды по два человека из разных стран (шведы, канадцы, русские, немцы и другие) создают скульптуры и другие творения в диких и романтичных местностях Швейцарских Альп. После недели креативной работы, творения выставляются в сельской местности и подвергаются оценке жюри. Вдохновляющий и спонтанный, Питер Хесс – один из наиболее ярких современных флористических дизайнеров Европы. Его работы всегда ошеломляют, восхищают и оставляют след в сердце каждого, кто их видел.

Ателье-5 (Atelier-5) Питера Хесса было открыто в 1972 году под названием Школа дизайна и экспериментов во флористике.Наибольший интерес у команды педагогов Ателье-5 (Atelier-5) Питера Хесса вызывает работа с природными материалами — цветами, листьями, ветками, корнями. Их трансформация и сочетание с материалами нерастительного происхождения (воск, бетон, металл, стекло, пластик). Творить из природных материалов с любовью к природе — генеральная линия Ателье-5 (Atelier-5).В наши дни остро стоит проблема экологии и утилизации. И вдыхать новую жизнь в так называемые отходы — сложная и захватывающая задача, которая очень важна для Питера Хесса и его команды. Взгляд на совершенство природы вдохновляет их на создание новых творений;

Чтобы было легче и быстрее работать над разнохарактерными материалами, Питер Хесс учит широкому кругу методов их обработки и тому, как использовать полезные машины и инструменты. В Ателье-5 (Atelier-5) Питера Хесса проводятся разнообразные мастер-классы — работа с воском, газобетоном, металлом, стеклом, глиной, бумагой. На мастер-классе по работе с воском можно создать и свечи ручной работы, и интерьерные объекты. Пока расплавленный воск окончательно не остыл, с ним можно работать руками — вытягивать, моделировать. С твердым воском уже посложнее — в ход идут ножи, зубила и пилы. А также в Ателье есть специальная машина, позволяющая ровно разрезать толстые пластины из воска.

В работе с керамикой можно пойти путем ручной лепки, воспользоваться заливкой форм, а также попробовать свои силы на гончарном кругу. Многих студентов, приехавших в Ателье-5 (Atelier-5), привлекает работа с металлом. И здесь есть возможность попробовать все виды сварки — ацетиленом и кислородом, инертным газом, электродами, порошковой проволокой. Газобетон, стекло, бумага — для этих материалов свои приспособления. Для создания бумаги ручной работы Питер Хесс соорудил огромный пресс и массу небольших прессиков. И еще есть большая ванна, из которой вылавливается замоченная бумага. Процесс вылавливания бумаги специальной решеткой, прессования, просушки и отделения готовой бумаги от основы всегда у всех занимающихся в Ателье-5 (Atelier-5) вызывает бурю положительных эмоций и огромный интерес.rnrnОтдельная история в Ателье-5 (Atelier-5) — это создание креативных ювелирных изделий. И здесь есть где разгуляться творчеству! Машины для обработки дерева и камня, шлифовки, изгибания — выбирай любую и твори с удовольствием!

Питер Хесс и Мари Бозон радушные хозяева — с удовольствием проведут небольшую экскурсию. А далее — само действо обучения. Про него можно рассказывать увлекательно и долго. В этом лучше поучаствовать лично, поэтому приглашаем вас присоединяться к нашим ежегодным поездкам на обучение в Ателье-5 (Atelier-5) у Питера Хесса и Мари Бозон. Программу поездки к Питеру Хессу вы можете посмотреть у нас на сайте в разделе Обучение в Швейцарии в Ателье Питера.

Гармония мира не знает границ…..(Борис Гребенщиков). В нашей школе флористики и дизайна «Восток-Запад» появился новый авторский мастер-класс по созданию флористического коллажа в технике терра. В его основе лежит методика, разработанная немецким флористом-дизайнером и художником Фридхельмом Раффелом. Многие из тех, кто серьезно увлечен и занимается ею профессионально, знают это имя или видели его картины-коллажи. Они впечатляют и удивляют своей «непохожестью», у зрителя возникает желание больше узнать об авторе этих произведений. Фридхельм Раффел (род. 1941 г., Силезия, Германия), как и многие известные художники, пришел к своему художественному творчеству через освоение ремесел, где умение чувствовать руками и доверять своим навыкам очень важно в работе. Становлению Ф. Раффела как флориста, предшествовало его обучение ремеслу садовника. В 1963 году Раффел учился в колледже флористических искусств в Вайнштефане. С тех пор он проделал большой профессиональный путь и добился серьезного успеха как флорист и художник. С 1977 года у него было шестнадцать персональных выставок и в четырнадцати он принимал участие, выставляя свои флористические композиции и коллажи. Выставки проводились в Германии и в Японии. Он издал две книги («Флористические коллажи» в 3 томах, 1985 и 1989 гг), и ещё в двух выступил соавтором (1994, 1997 гг). Также Раффел активно выполняет работы на заказ — для банков, отелей, публичных мероприятий и для индивидуальных клиентов. За все прошедшие годы с тех пор, как Раффел начал заниматься флористикой, он был участником многочисленных тренингов и семинаров (в качестве преподавателя), состоял в жюри многих фестивалей, выставок, соревнований по флористическому дизайну. Исходя из своей практики работы с цветами и растительными материалами, Раффел научился структурировать и формировать их таким образом, чтобы передать на холсте вегетацию растений, весь их жизненный цикл. Это проявляется в первоклассном выборе растений для своих работ, а также в чуткой художественной реакции на вегетативные процессы.

Ф.Раффел, работая как флорист с традиционными цветочными композициями, превращал их в гораздо более долговечные декоративные предметы интерьера. Первоначально это были флористические объекты в рамке, подходящие для стены или окна, более крупные форматы — ширмы. Фон объектов в рамке оставался пустым, каждый зритель мог интерпретировать его по-своему. Следующим шагом Раффела было структурирование этого пустого пространства в более аутентичное и осмысленное заполнение. В традиции создания материальных картин, к которым можно отнести и коллажи в широком понимании, используются осязаемые вещи: вырезки из газет, куски проводов, ниток, песок и др., они крепятся на подготовленный холст. У Раффела другой подход к материальной живописи. Фон, который он раскрашивает техникой декалькомания, функционирует не как подготовленный холст, но вызывает обилие ассоциаций и вступает в контраст с основным материалом (растениями), тем самым повышая интерес и внимание зрителя.

В своих терра-коллажах, с их детализированными структурами, композицией и сложными цветовыми решениями, он также использует контрасты: хрупкие цветы, растения «вбиваются» в земную среду (терра) — как будто «уходят в бессмертие», оставаясь в художественном воплощении на полотне картины.

Флористические материалы тщательно отобраны, хотя и складывается ощущение случайности, что вселяет в любое произведение искусства жизнь, стимулирует импульсы для креативной реакции.

Новый шаг Раффела в художественном развитии выражает движение в сторону «эмансипации нарисованного», т.е. нарисованные структуры выступают с заднего плана на передний и занимают все пространство картины. Главный неотъемлемый объект всех его работ- выражение впечатлений, которые приобретены из собственных наблюдений и опыта взаимодействия с природой. Ни один человек с чутким взглядом не сможет остаться равнодушным перед картиной, автор которой сумел сделать такой самобытный шаг в постижении и отображении гармонии окружающего нас органического мира и баланса между его бесконечными проявлениями.

Посмотреть подробную программу мастер-класса по созданию коллажей в технике Терра вы можете,  перейдя по ссылке https://vostokzapadesign.ru/kollazh/; Статья подготовлена с использованием материалов из книги Фридхельма Раффела «Флористистические коллажи», т.3.

Мы решили спустя некоторое время связаться со своими выпускниками и узнать, как идут дела. В этом разделе мы публикуем некоторые выдержки из интервью с выпускниками школы флористики Восток-Запад.
Елена — Люда, ты была в одной из наших самых первых групп. Ты помнишь это время? Мы работали тогда в Японском Доме на Саввинской набережной.
Людмила — Да, точно, училась я на начальном курсе флористики очень давно… Конечно, все прекрасно помню. Помню Японский Дом, очень приятные впечатления. Даже в столовой там стояли вазочки с цветами. Анемоны на столиках особенно запомнились.
Елена — Почему ты в тот период выбрала это направление обучения, почему нашу школу?
Людмила — Я очень люблю цветы, да и не только цветы, а просто растения, природу. Образование у меня фитопатолог, представляете? Всегда любила дарить цветы. Но часто невозможно было купить красивый букет. Букеты «на возложение» с непонятным наполнением, кучей упаковки, мишуры и стразиков просто угнетали. Вот и решила сама научиться, чтобы радовать близких букетами, сделанными своими руками. А Вашу школу выбрала по «сарафанному радио». Подруга моей подруги посоветовала. Сказала, что у Вас на начальных курсах флористов очень креативный подход, и можно получить много знаний ( и хорошо очень расписана программа по дням).
Елена — Насколько сложной тогда тебе казалась программа обучения? Что не получалось, а что получалось лучше всего?
Людмила — Программа не казалась сложной. Она оказалась многогранной. И я понимала, что 10 занятий на базовом курсе флористики включают в себя только азы, но их так было много! И, казалось тогда, что за 10 дней мы прошли все и стали настоящими мастерами. Но потом пришло понимание, что еще так много всего неизвестного в мире флористики. Не помню точно, что получалось, а что нет. Помню, что сложными были темы курса, когда кроме техники подключался творческий подход. Это было серьезным испытанием.
Елена — Ты помнишь свои эмоции в период обучения?
Людмила — Эмоции были еще какие! Я как будто бы пошла учиться в новый институт. Была жажда знаний и всего нового. Был подъем эмоциональный. И понимание, что занимаешься тем, чем и дальше хотелось бы заниматься.
Елена — Как быстро после курсов ты стала заниматься флористикой?
Людмила — На курсы я пошла для себя. Поэтому после окончания с радостью стала применять умение по любым поводам для родственников и знакомых. И только спустя довольно продолжительное время я стала работать флористом, но по выходным и на подмене.
Елена — невероятно приятно, что ты к нам вернулась на углубленный курс и успешно его закончила. Почему ты решила продолжить учиться?
Людмила — Почему углубленный? Да это понятно и очевидно. Всякий здравомыслящий человек, если ему интересно, понимает, что азы надо углублять и расширять. Поэтому спустя какое-то время я созрела для углубленного курса флористики. Так как устроившись на работу, я поняла, что базовый курс очень хороший, но совсем недостаточный, чтобы чувствовать себя профессионалом.
Елена — Люда, твои ощущения после окончания углубленного курса? Насколько выросло твое мастерство? Насколько проще стало работать? Или сложнее?
Людмила — Работать стало и проще, и сложнее. Проще потому, что ты понимаешь, что можешь воплотить практически любой замысел. Главное, чтобы было желание его реализовать. И ты можешь разобраться в сложных нюансах, что тебе дает фору перед новичками. А сложнее потому, что понимаешь, сколько нужно в голове деталей удерживать одновременно…
Елена — И наш традиционный вопрос — Люда, что ты пожелаешь нашим новичкам?
Людмила — Если закончили начальный курс флористики — не останавливайтесь. Старайтесь практиковать свои навыки, даже если не устроитесь на работу. Без практики все растворится. Идите дальше. Продолжайте обучение. Так как даже после углубленного курса ты понимаешь, как много ты еще не знаешь. Потому что флористика такая штука, которой можно учиться всю жизнь.

Мы решили спустя некоторое время связаться со своими выпускниками и узнать, как идут дела. В этом разделе мы публикуем некоторые выдержки из интервью с выпускниками школы флористики Восток-Запад
Елена — Оксана, приветствую! Пролетело уже довольно много времени с того момента, как ты закончила начальные курсы  флористики в Москве в нашей школе. И, вспоминая твою учебу, хочется задать тебе несколько вопросов. Ты не против?
Оксана — С удовольствием.
Елена — Вспоминая то время, как пришло решение поехать на курсы флористики, почему?
Оксана — Решение пришло очень быстро. Моя мечта быстрая. Я очень хотела открыть свой салон и отличаться от всех у нас в городе. А для этого нужны были знания. За две недели я приняла решение, нашла курсы флористики, купила билет и полетела учиться.
Елена — Почему Москва? Ведь ты из Хабаровска, это такое большое расстояние.
Оксана — Москва — это для Дальнего Востока кладезь знаний. Не секрет, что на Дальнем Востоке нет ни одной хорошей школы флористики. Поэтому и Москва.
Елена — Оксана, а почему выбрала именно нашу школу?
Оксана — Школу флористики Восток-Запад я, опять же, быстро выбрала. Почему ее? В большей степени потому, что я хотела отличаться от всех, а у нас в городе знали только Николь. Поэтому должна была найти что-то другое. И нашла Восток-Запад. Это удивительное название оказалось для меня! Сразу получалось, что мое! Ведь я еду с востока на запад учиться, как будто связь времени и расстояния! И еще в этой школе помимо европейской флористики есть японское направление, которое, я думаю, у меня впереди.
Елена — Когда обучалась, какие были эмоции?
Оксана — Обучение с первого и до последнего дня взахлеб! Я не замечала ни времени, ни расстояний. Хотя приходилось ездить аж из Мытищ, где я жила у приютивших меня людей. Изучать основы флористики мне очень нравилось, хотелось еще и еще. Эмоции были только очень светлые. Сейчас вспоминаю и, кажется, я заново бы все уроки флористики прошла, прошла бы еще каждый день курса! Я очень довольна. Начинала я совсем с нуля, я не знала основы флористики. Хотела очень учиться на флориста.
Елена — Были ли сложные темы, или все проходило гладко?
Оксана- Сложных тем в период обучения флористике у меня не было, так как все шло взахлеб. Опять я повторила это слово. Но это действительно так. Все было новое и интересное.
Елена — Были ли дни в течении обучения, которые помнишь до сих пор?
Оксана — Особенный день у меня, наверное, был первый. Профессия флорист — как будто я вошла в нее.
Елена — Когда пришло твердое решение открывать свой салон?
Оксана — Решение твердое было сразу же, до поездки на обучение. Именно поэтому и поехала учиться.
Елена — Что максимально полезное для открытия салона дало обучение флористике?
Оксана — О, это был день про бизнес. Я бы даже с удовольствием его еще раз послушала. Все очень понятно и грамотно. Как сделать первую закупку, как правильно все рассчитывать, как расставить цветы на витрине, как букеты на витрине выставлять. Очень это мне помогло. В других школах флористики это отдельным курсом проходит. А то, что в школе Восток-Запад это включено в базовый курс флористики, это очень классно. У меня учебная тетрадка, одна, большая и очень толстая. Я с ней езжу на разные семинары по флористике. И вот когда я была на семинаре Питера Хесса, другие студенты попросили ее полистать. Листают и…О! Тут про бизнес? Где такое рассказывали? Как классно! А я гордая отвечаю: в школе флористики Восток-Западu0022! Люди были очень удивлены. Это очень большой плюс для школы — день про ведение цветочного бизнеса.(все дни занятий очень хорошо описаны здесь)
Елена — Сколько уже салону лет? Как быстро удалось встать на ноги?
Оксана- Салону уже 6, 5 лет. Открыла я его через месяц после возвращения с курсов флористики. Сразу хотела всех удивлять. И ни разу не пожалела, что открыла. Полгода назад я переехала в новое более просторное помещение на более удачном месте. Ведь место очень много значит для цветочного салона. В моем городе у меня уже есть имя, ко мне идут за чем-то необычным. И, школа флористики Восток-Запад, спасибо тебе за это! Я до сих пор вспоминаю: А меня так учили! Я уже закончила многие семинары по флористике, но всегда мыслями возвращаюсь к школе Восток-Запад.
Елена — Оксана, что можешь пожелать тем, кто только вступает на путь обучения флористике? Маленькое напутствие , быть может?
Оксана — Учиться флористике обязательно и расти и расти! Я сама учусь два раза в год, повышаю свою квалификацию. И всегда хочется нового, и всегда есть пробелы, которые нужно заполнять знаниями. И это обучение всегда прекрасно!Но первые две недели в школе флористики Восток-Запад — это самые сильные в моей жизни. Это те две недели (здесь можно https://vostok-zapad-world.ru/floristika/ посмотреть программу курса), которые мне открыли путь во флористику, в бизнес. И я точно знаю, что самое главное — сделать правильный выбор школы флористики! И мой выбор был, бесспорно, правильным!
Елена — Оксана, спасибо огромное за интервью. Чрезвычайно приятно слышать такие теплые отзывы! Удачи! И до новых встреч на новых семинарах!

Пим ван ден Аккер (Pim van den Akker) — дизайнер-флорист, преподаватель, автор многочисленных книг и шоу-показов. Родился Пим в 1976 г. в Голландии. С раннего детства он проводил много времени в общении с природой, даже мечтая стать лесником. Но, постепенно, красота и сила цветов стали притягивать Пима, и он начинает находить прелесть в работе с живым материалом. Пим ван ден Аккер (Pim van den Akker) закончил среднюю сельскохозяйственную школу, которая специализировалась на цветочной аранжировке, отработал в различных цветочных магазинах Голландии. Участвовал в крупных национальных и международных выставках и торговых ярмарках — Aalsmeer, IPM в Эссене и др., различных конкурсах. Но, будучи участником 25-и конкурсов, ни разу не победил. Так как, желая достичь новых результатов, часто брался за технически неосуществимые композиции. И, как следствие, жюри признавало недостаточно хорошую технику их исполнения. Но подобные неудачи никогда не расстраивали Пима — ему всегда нравилась атмосфера конкурса, возможность эксперимента и создания того, что пришло в голову. Пим живет в мире идей. У него с рождения дислексия (заболевание, сопровождающееся трудностями с пониманием букв, цифр, распознаванием символов, чтением и письмом). И, как говорит Пим, возможно поэтому я вижу мир по-другому. Он считает дислексию больше даром, чем недостатком, так как именно благодаря ей он мыслит идеями, а не символами. Его руки способны воплотить любую, даже кажущуюся не решаемой, идею.Свою первую книгу Флористические композиции Пим ван ден Аккер (Pim van den Akker) написал как дипломную работу в университете. В книге он собрал работы по главам, объединяя их по техникам — приклеивание, нанизывание, плетение, скручивание и т.д.- используя для создания композиций наряду с обычным привычным материалом и экзотические растения. Эта книга на протяжении многих лет является прекрасным учебным пособием для флористов. В 23 года он открыл свою студию Pimdesign. Сейчас Пим ван ден Аккер (Pim van den Akker) — признанный дизайнер мирового уровня. За эти годы Пим издал еще несколько книг, неоднократно путешествовал по миру с шоу-показами и мастер-классами ( Италия, Россия, США, Германия, Великобритания, Франция).Одна из его последних книг посвящена созданию интерьерных композиций в кашпо и вазах уникального королевского керамического завода в г. Дельфт, являющегося основным производителем посуды из глины с синим дельфтским орнаментом. Новая интерпретация изделий из керамики, предложенная Пимом, придала неожиданную остроту звучания экспонатам Королевского музея керамики в Дельфте. Идея еще одного нестандартного проекта, впервые реализованного в Нидерландах, также принадлежит Пиму. Неожиданность проекта заключается в том, что в то время, как модели дефилируют по подиуму во флористических платьях, созданных Пимом, шеф-повар Юрий Фейбейк предлагает гостям наслаждаться закусками, приготовленными из ингредиентов, которые Пим использовал при работе над платьями. Первый показ произвел настоящую сенсацию, и затем Пим неоднократно повторял свое шоу в других странах мира (Южная Корея, Япония, Австралия). Как говорит Пим, — Наша профессия гораздо больше, нежели композиции и букеты. Флористы и декораторы имеют талант уловить эмоцию в том или ином объекте и преобразовать ее в неповторимый дизайн. Также Пим ван ден Аккер (Pim van den Akker) являлся главным инициатором проекта Flower Factor, направленного на соединение всех звеньев в цепи цветочной индустрии, вдохновляя, взаимодействуя и обучая. Для этих целей Flower Factor объединил в своей команде лучших флористов Нидерландов и Германии, способных совместными усилиями вызвать изменения в индустрии и сформировать новый взгляд на цветы и растения, способствовать росту и процветанию данной отрасли. Нам с нашими студентами неоднократно доводилось заниматься в мастерской Пима ван ден Аккера (Pim van den Akker), наполненной уникальными заготовками и новаторскими идеями.И фотографиями, сделанными в эти моменты, мы с удовольствием здесь и поделимся.

Грегор Лерш – экcперт по флористике из Германии.

Грегор работал в 32 странах по всему миру. Его поразительные цветочные композиции были представлены почти в каждом уголке земного шара.

Грегор начал свою профессиональную карьеру в 1974 году. В 1978, он победил на Чемпионате Европы в Риме (принеся Германии первый успех на подобном конкурсе). С тех пор он активно участвовал в различных федеральных садовых шоу, соревнованиях и флористических шоу, и выиграл более 30 золотых медалей, 22 серебряных и несколько бронзовых.

Корнем его креативности является садовническое происхождение его семьи. На протяжении 140 лет, пять поколений семьи Лерш занимались растительным дизайном. Растения занимают главное место в его мыслях. Они для Лерша – «главная жизненная сила» в мире. Существование растений, животных и людей может быть продолжительным только когда они находятся в гармонии между собой.

Грегору Лершу важен каждый элемент растения, каждая стадия его существования. Семинары, мастер-классы, выставки играют важнейшую роль в деятельности Грегора. Он также был задействован во множестве выступлений, публикаций книг и работе со СМИ.

Удивительно талантливая и обаятельная Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) родилась 7 марта 1954 года в Бельгии. Свое первое образование она получила в Академии изящных искусств в Брюсселе по специальности графический дизайн, обучалась и увлекалась скульптурой, живописью и керамикой. Спустя некоторое время закончила школу флористики в Генте, после окончания которой открыла свой цветочный магазин.

Кредо Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) — внимание к деталям, а не изобилие цветов. Вот почему она так не любит участвовать в конкурсах, где приходится использовать множество цветочного материала.

Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) привносит в свои работы элементы графического дизайна- своей первой специальности — ведь основными его элементами являются линия, цвет и форма.

Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) можно по праву назвать одним из лучших свадебных флористов мира. Она является одним из законодателей мод в свадебной флористике. У ее свадебных сумочек особый стиль, шарм и элегантность. Ведь для Моник нет несущественных деталей в ее работах. А насколько высоко исполнение небольших бутоньерок и украшений. Каждая работа Моник просто пронизана любовью к цветам.

Постоянно экспериментируя с дополнительными материалами Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) создала целую коллекцию произведений с использованием войлока, сразу ставшим популярным во флористической среде. И даже грубая резина в руках Моник приобретает утонченное звучание.

Книги Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) уже давно стали бестселлерами.

Студия и просторный класс для занятий Моник ванден Берге (Moniek Vanden Berghe) находятся в ее доме недалеко от Гента. Там же есть и уютный сад, где можно увидеть рукотворные объекты, созданные Моник, а также нарезать материал для работы.

Издревле трепетная любовь к природе присуща всем японцам. Истоки этого — исконно японская религия — синтоизм, согласно которой в каждом камне, ветке, цветке живет божественный дух. Отсюда и отношение ко всем окружающим нас в природе предметам как к божествам. В Японии существует целый ряд красивых национальных традиций, связанных с природой. Например, любование сакурой, красным кленом, первым снегом…

Икебана для японцев не только и не столько средство для украшения интерьера, сколько символ одухотворенной природы, ее небольшой фрагмент, привнесенный в дом. Цветы быстротечны, поэтому они и прекрасны — одна из эстетических японских концепций. Все цветы и ветки изменяются в зависимости от времени года, поэтому очень важно при создании композиций икебана учитывать сезонность. И здесь нужно отметить, что весь курс обучения икебана по школе Согэцу тесно связан с сезонностью.

Сейчас мы рассмотрим различные подходы к созданию композиций икебана, связанных с временами года. Весенняя икебана. Весна для японцев — период обновления всего живого. Поэтому весенняя икебана должна быть наполнена чувствами обновления. Это передается через набухшие на ветках почки, свежесть и разреженность материалов.

Для создания весенней икебаны иногда достаточно взять одну-две ветки с готовыми распуститься почками и один цветок. И композиция будет совершенной и просто дышать весной. Альтернативой минимализму может послужить весенняя икебана из большого количества сильно изогнутых и готовых к роспуску веток. Такая композиция создаст ощущение легкого весеннего ветра, чистоты и прозрачности солнечного света.

Излюбленным материалом у японцев для создания весенней икебаны являются цветущие ветки плодовых деревьев (слива, вишня, абрикос, яблоня, айва, персик), а также форзиция. Из цветов предпочтение отдается тюльпанам, ирисам, нарциссам, фрезии. Подчас мастеру икебана удается в своей работе достичь трогательной хрупкости композиции — ощущения пробуждения природы, пробивающейся сквозь холод и лед.

Когда для весенней икебаны используем сосуд, в котором видим уровень воды, то обязательно следуем правилу заполнения его водой на три четверти. Так как вода и весна — неразрывные понятия в икебана. В Японии существуют два праздника, неразрывно связанных с искусством икебаны. 3 марта — День Девочек ( или День Кукол) — является всенародным праздником в Японии. В этот день в семье, где есть девочки, обязательно расставляют набор старинных кукол (передающихся в семье из поколения в поколение), которые должны принести дочерям счастье. Каждая из этих кукол хранится до этого дня в специальной коробке, и достают их только в этот праздничный день.

Специальная весенняя икебана непременно сопровождает этот праздник. Она создается обязательно с использованием веток цветущего персика. Кроме персика можно использовать ветки цветущей сливы, а также цветы желтой сурепки и весенние сорта хризантем. 5 мая — День Мальчиков. В этот день у домов, где подрастают мальчики, вывешиваются бумажные или полотняные карпы. Карпы символизируют силу, мужество и отвагу, так как способны подниматься против течения быстрых рек и водопадов.

Праздник мальчиков сопровождает весенняя икебана, составленная из цветов и листьев ириса, напоминающих о мечах, чести и прямоте мужского духа. Нужно отметить особенность в постановке листьев ириса — их нельзя устанавливать ребром на зрителя, так как ребро листа ассоциируется с лезвием меча. Праздничная композиция не должна быть агрессивной, поэтому листья ириса располагаются в композиции, показывая свои плоскости, а не ребра. Летняя икебана. Лето — пора разноцветия и разнотравия. Самое жаркое, в прямом смысле слова, время в Японии. То время, когда люди, спасаясь от зноя, начинают мечтать о прохладе. И, естественно, композиции икебана способны стать одним из источников отдохновения.

Для этих целей летняя икебана создается в обширных сосудах, полностью заполненных водой, поверхность которой максимально открывается зрителю, позволяя насладиться прохладой.

Однако не всегда летняя икебана предлагает зрителям воду в качестве главного элемента композиции. Летняя икебана часто пышит изобилием цветов и трав. Обширные и разноцветные композиции икебана — визитная карточка лета. Если вдруг не хочется изобилия, то, безусловно, можно составить летнюю икебану только из трав одного вида, например. Или из одного вида летних цветов. Было бы желание и мастерство. Ведь без этих двух факторов невозможно построить ни одну композицию икебана. Для грамотного построения сезонной икебаны в курсе Икебана по школе Согэцу специально прорабатываются различные подходы в создании всех сезонных композиций. А еще в летней икебане начинают удивительно работать ветки с зелеными плодами, намекая при этом, что не за горами осень.

Осенняя икебана. Осень — это удивительное время для икебаны, позволяющее создавать разнохарактерные композиции. Ведь и сама осень разнохарактерна. Она и красочна и обильна, а также скупа на краски перед наступлением зимы. И это находит отражение в осенней икебане.

В период обильной осени мы наблюдаем богатство красок и урожая. Багряные и желтые листья, спелые плоды на ветках — все это обогащает осеннюю икебану.

Часто в композициях используют одновременно несколько типов веток с плодами и разной листвой, чтобы подчеркнуть буйство осенних красок. Так, например, интересно смотрятся вместе клены с листвой разных окрасок и ветки с плодами хурмы, которой так богата осенняя Япония.

А знаете ли вы, что в Японии существует специальная осенняя икебана, которая называется семь трав? Она является настоящим символом осени. В композицию входят пампасская трава, леспедеца, маранта, полевая гвоздика, патриния, посконник и крупноцветный колокольчик.

Осеняя икебана позволяет использование сухих листьев, что подчеркивает увядание природы. Отдельно взятые (без веток) плоды — фрукты и овощи — также часто используют в осенней икебане. Ведь они богаты цветом, формой, фактурой, которые не сыщешь в цветах. Так почему бы не воспользоваться этим для создания выразительных, зачастую юмористических композиций икебана!

Чем ближе к концу осени, тем более разреженными становятся композиции. Осенняя икебана в преддверии зимы разрежена, составляется из немногочисленных растительных материалов. Часто в них включают сухие подсолнухи, соцветия целозии. Также в композициях много хризантем и мискантуса.

И воды в низких вазах совсем немного… ровно столько, чтобы обеспечить питание растений. Зимняя икебана. Зимние композиции составляют обычно из спящих оголенных веток, добавляя небольшое количество цветов. Также в зимней икебане распространены разнообразные хвойные. Например, сосна, можжевельник, туя, кедр — частые гости в композициях. Листья комнатных растений могут выручить нас своей зеленью, когда хочется создать более насыщенную работу.

При создании зимней икебаны мастеру приходится проявлять максимум профессионализма, чтобы создавать скупые, но при этом выразительные композиции.

Также в зимний период часто используют сухие и крашеные материалы, материалы нерастительного происхождения.Строительные рынки и магазины для рукоделия становятся нашими друзьями, дающими импульсы для создания неординарных композиций.

Зимняя икебана, например, может быть создана с использованием зеркального серебристого пластика или воздуховодных гофрированных труб, навевающих ощущение холода. Или белая бумага, расстриженная на тонкие полоски, может застрять на голых ветках, создавая ощущение ветра и метели. Отбеленные (или крашеные) аспарагусы или папоротники будут служить художественной имитацией снежной зимы.

Зимняя икебана интересна именно тем, что призывает к экспериментам, нестандартному мышлению, своего рода провокациям , поиску новых форм и решений. Новогодняя икебана. Новый год для японцев — это не зимний, а первый весенний праздник, символизирующий обновление природы и всей жизни. Празднование Нового года никогда не обходится без новогодней икебаны. Для традиционной новогодней икебаны характерно сочетание, которое японцы называют три друга середины зимы.

Это сосна, бамбук и ветка цветущей сливы. Сосна — вечнозеленое дерево, символизирующее долголетие и выносливость. Бамбук — символ стойкости. Бамбук имеет стремительный, рвущийся ввысь характер. Даже самый мощный ураган может вывернуть бамбук с корнем, но не в силах сломать его. Слива — символ надежды и вечного обновления. Почитается японцами за смелость и энергию, позволяющими ей расцветать даже в зимнюю стужу. Часто в качестве главного элемента выступает ива, также как и сосна, символизирующая долголетие. Все эти элементы могут быть использованы в новогодней икебане как вместе, так и порознь.

Также для создания традиционной японской икебаны используются рисовые нити (из рисовой соломы). Они могут быть связаны красивым пучком, или взяты в небольшом количестве — зависит от задумки автора. Для новогодней икебаны характерны яркие цвета — сочетание красного, зеленого и белого (или желтого, золотого). Сочетание этих цветов всегда создает праздничное настроение.

Присутствие цитрусовых (как съедобных, так и несъедобных) очень оживляет новогоднюю икебану. Это могут быть апельсины, мандарины, хурма, лимоны, пальцы Будды, лисьи мордочки. Ветки, подобные лианам, с красными мелкими плодами также используют в новогодней икебане. Нельзя не заострить внимание на том, что для традиционной японской новогодней икебаны абсолютно неуместно использование различных элементов декора (свечи, игрушки, мишура). Эти элементы в Японии используются только при создании рождественской икебаны.

Традиционную новогоднюю икебану под названием Кадомацу (Сосна у дома) в предновогодние дни можно встретить абсолютно везде — перед входами в дома, магазины, в переходах метро. Состоит кадомацу из стволов бамбука, имеющих косой срез, перевязанных жгутом из рисовой соломы, в сочетании с сосной. Считается, что священные духи и духи умерших родственников спускаются в предновогодние дни и отдыхают в полых стволах бамбука и среди хвои в кадомацу. Кадомацу можно сделать самим, а можно купить в магазине, где они продаются абсолютно разных размеров.

Вообще нужно отметить, что сделать новогоднюю икебану совсем несложно.Это не зависит от того, в какой стране вы находитесь. Достаточно использовать сочетание трех цветов. Красный, белый, зеленый — новогодняя икебана готова!

*При подготовке статьи использованы материалы из книги Н.П. Николаенко Икэбана

«Каденсе» или «Откровение о цветке» — так называется книга основателя школы Согэцу Софу Тэсигахара. И мы хотим познакомить вас с удивительными высказываниями Мастера. Высказывания эти о цветах, об искусстве, о жизни — чрезвычайно емкие и интересные.

СОФУ ТЭСИГАХАРА — по масштабности разнообразных талантов его по праву можно сравнить с такими знаменитыми фигурами в искусстве, как Пабло Пикассо, Огюст Роден, Казимир Малевич. Те, кто привык думать, что икебана — это японский вариант цветов в вазе, будут немало удивлены, увидев фотографии, размещенные в этой статье. И, возможно, многих даже шокируют высказывания автора : делать композиции икебана без цветов, цветы в композиции не должны выглядеть как в природе. Что это значит? А это значит — Софу Свободный и ничем не связанный, смелый и счастливый в своем творчестве. Всегда глядящий вперед, всегда ищущий новое авангардист!

Гармония мира не знает границ…..(Борис Гребенщиков). В нашей школе флористики и дизайна «Восток-Запад» появился новый авторский мастер-класс по созданию флористического коллажа в технике терра. В его основе лежит методика, разработанная немецким флористом-дизайнером и художником Фридхельмом Раффелом. Многие из тех, кто серьезно увлечен и занимается ею профессионально, знают это имя или видели его картины-коллажи. Они впечатляют и удивляют своей «непохожестью», у зрителя возникает желание больше узнать об авторе этих произведений. Фридхельм Раффел (род. 1941 г., Силезия, Германия), как и многие известные художники, пришел к своему художественному творчеству через освоение ремесел, где умение чувствовать руками и доверять своим навыкам очень важно в работе. Становлению Ф. Раффела как флориста, предшествовало его обучение ремеслу садовника. В 1963 году Раффел учился в колледже флористических искусств в Вайнштефане. С тех пор он проделал большой профессиональный путь и добился серьезного успеха как флорист и художник. С 1977 года у него было шестнадцать персональных выставок и в четырнадцати он принимал участие, выставляя свои флористические композиции и коллажи. Выставки проводились в Германии и в Японии. Он издал две книги («Флористические коллажи» в 3 томах, 1985 и 1989 гг), и ещё в двух выступил соавтором (1994, 1997 гг). Также Раффел активно выполняет работы на заказ — для банков, отелей, публичных мероприятий и для индивидуальных клиентов. За все прошедшие годы с тех пор, как Раффел начал заниматься флористикой, он был участником многочисленных тренингов и семинаров (в качестве преподавателя), состоял в жюри многих фестивалей, выставок, соревнований по флористическому дизайну. Исходя из своей практики работы с цветами и растительными материалами, Раффел научился структурировать и формировать их таким образом, чтобы передать на холсте вегетацию растений, весь их жизненный цикл. Это проявляется в первоклассном выборе растений для своих работ, а также в чуткой художественной реакции на вегетативные процессы.

Цветы красивы,но красива не всякая композиция. Цветок в композиции перестает быть цветком. Цветок в композиции превращается в человека. Именно поэтому все в икебана так увлекательно и так трудно. Сложится ли естественный образ? Сложится ли искусственный образ? Сложится ли божественный образ? Цветок в композиции превращается в человека. Икебана создается из цветов. Но без человека она невозможна. Созданный Софу Тэсигахара курс по обучению Икебана по школе Согэцу ставит во главу угла прежде всего мастера, его старания, рвение, наработку навыков.

Ф.Раффел, работая как флорист с традиционными цветочными композициями, превращал их в гораздо более долговечные декоративные предметы интерьера. Первоначально это были флористические объекты в рамке, подходящие для стены или окна, более крупные форматы — ширмы. Фон объектов в рамке оставался пустым, каждый зритель мог интерпретировать его по-своему. Следующим шагом Раффела было структурирование этого пустого пространства в более аутентичное и осмысленное заполнение. В традиции создания материальных картин, к которым можно отнести и коллажи в широком понимании, используются осязаемые вещи: вырезки из газет, куски проводов, ниток, песок и др., они крепятся на подготовленный холст. У Раффела другой подход к материальной живописи. Фон, который он раскрашивает техникой декалькомания, функционирует не как подготовленный холст, но вызывает обилие ассоциаций и вступает в контраст с основным материалом (растениями), тем самым повышая интерес и внимание зрителя.

В своих терра-коллажах, с их детализированными структурами, композицией и сложными цветовыми решениями, он также использует контрасты: хрупкие цветы, растения «вбиваются» в земную среду (терра) — как будто «уходят в бессмертие», оставаясь в художественном воплощении на полотне картины.

Флористические материалы тщательно отобраны, хотя и складывается ощущение случайности, что вселяет в любое произведение искусства жизнь, стимулирует импульсы для креативной реакции.

Я часто пишу глагол икеру (ставить цветы в вазу) иероглифами, придающими ему значение создавать объемные формы. Это соответствует его современному пониманию в слове икебана. Разумеется, такого выражения — создавать объемные формы- в старину не употребляли. Однако сегодня многие понимают под этим словом просто установку цветов в вазе как само действие и не включают в него значение создание объемных форм. Иначе говоря, многие считают, что ставить цветы в вазу и есть икебана. Это не так — в икебане должны создаваться объемные формы. Такое выражение является частью японского слова пластические художественные искусства, благодаря чему достигается понимание, что в икебане создается художественное произведение. Это уже вошло в сознание современного человека. Вот что следует понимать в икебана под словом икеру.

Например, хризантема, пока ее не использовали в икебана — это просто хризантема, но в композиции — уже нет. Она переродилась в нечто иное — в икебану с хризантемой. Теперь она воплощает созидателя композиции, и зритель видит не хризантему, а конкретного человека через ее образ. Как преображена естественная хризантема — вот восприятие икебана. Поэтому икеру здесь имеет еще и значение изменять, преобразовывать, превращать.

Поскольку в икебана используют цветы природы, ее композиции выражают только природу. Этот незатейливый взгляд теперь уже давно несовершенен, он трансформировался в иное: используя разнообразные свойства растения — его характер, его ценность, красоту — выражать в композиции всевозможные образы. Этот подход отражает творческий взгляд человека на растение, при такой работе человек стремится воплотить в композиции икебана свои мечты и идеалы. Чтобы хоть на шаг приблизиться к желаемому, мы ищем различные творческие приемы. Может, прямо стоящую ветку надо перевернуть? А может, снять с нее кору и отбелить ее, и тогда появится что-то, чего в ней не видно сейчас? Вот он,  творческий подход человека при создании икебана.

Новый шаг Раффела в художественном развитии выражает движение в сторону «эмансипации нарисованного», т.е. нарисованные структуры выступают с заднего плана на передний и занимают все пространство картины. Главный неотъемлемый объект всех его работ- выражение впечатлений, которые приобретены из собственных наблюдений и опыта взаимодействия с природой. Ни один человек с чутким взглядом не сможет остаться равнодушным перед картиной, автор которой сумел сделать такой самобытный шаг в постижении и отображении гармонии окружающего нас органического мира и баланса между его бесконечными проявлениями.

Икебана — искусство мгновения. Порой проходит некоторое время, и композиция начинает смотреться лучше, а бывает, что еще вчера она была хороша, а сегодня уже нет. Важно вот что: каждому мгновению присущ свой смысл. Прекрасен бутон, прекрасен распускающийся цветок, прекрасно само мгновение его раскрытия. Воспринимайте жизнь как неповторимо прекрасные мгновения, и ничто не будет стеснять ваше воображение. Жизнь человека течет день за днем. Каждый ее миг неповторим и бесценен. Так и нужно каждый из них проживать. В статье использованы фотографии работ Софу Тэсигахара, созданные им в период с 1927 по 1979 годы.